Un 2012 di novità, di bellezza, di piacere, di gusto.

Un 2012 pieno d’Arte!

Paolo Juris

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Morago (1947), nato in una povera, vecchia casa di legno in riva al fiume, bassa, tra il verde intenso della terra trevigiana, continua ad amare la natura, a viverci in mezzo e lavorarci.

* Nel giugno 2008 il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano ha insignito Morago del titolo di “Commendatore al Merito della Repubblica” per gli alti risultati artistici del Suo lavoro apprezzato in Italia e nel mondo.

(biografia e immagine tratti dal sito dell’artista )

Sulla sua arte hanno scritto e detto, sottolineando le novità artistiche, tra i maggiori critici – quali Giuseppe Marchiori, Pierre. Restany, Vittorio Sgarbi, Luciano. Caramel, Paolo. Rizzi, Enzo. Di Martino, Giorgio. Segato, Camillo. Semenzato, Carlo. Munari, Carlo Milich, Silvio. Castro, Alessandro .Mozzambani, Luciana Boccardi, Luigi. Ruggiu, Enrico. Buda, Tita Bianchini, Gino Barioli, Aurelio T. Prete, Luigi Meneghelli,Walter Guagnelli,Luigi Montobbio, Ursula. Itschner, Micheline Klapproth, Franco Batacchi, Carla Frigo, Erwin Fenz, Mario Stefani, Mauro. Donini, Franco Ceccopieri, Mario Guderzo, Enzo Santese, Roberto Joos, Mariano Missaglia, Giuseppe Mugnone, Sen. Mario Rigo, M. Rizzoli Ottorino Stefani, Sabrina Zanier, B. Pittarello, Manlio Cruciani, Guglielmo Gigli, Assunta Cuozzo, Luigina Bortolato, Francesca Brandes, Vittoria Magno, Bruno Rosada etc – e ne hanno parlato Rai Tv, Diffusione Europea, nonché numerosi quotidiani e periodici. Di recente la sua arte è stata analizzata in una tesi di laurea alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Ca’ Foscari di Venezia.

(biografia tratta da sito dell’artista )

Indiana è stato scenografo e costumista teatrale, come nella produzione realizzata nel 1976 dalla Santa Fe Opera de La madre di tutti noi (The Mother of Us All) di Virgil Thomson, basata sulla vita della suffragetta statunitense Susan B. Anthony. Dopo gli attentati dell’11 settembre 2001, Indiana produsse una serie di Dipinti della pace (Peace Paintings), che furono esposti a New York nel 2004.
Indiana vive come residente nella città isola di Vinalhaven, Maine, dal 1978. Apparve nel film Eat (1964) di Andy Warhol, che consiste in un’unica ripresa da 45 minuti di Indiana che mangia un fungo.

(biografia tratta da wikipedia )

Benché sia stato sollecitato a più riprese, non ho mai voluto partecipare a mostre personali o collettive, sentendomi nemico delle esibizioni a carattere velleitario o provinciale. Mi sono però dedicato con vera passione alla pittura ed alla composizione artistica con tecniche tradizionali e non. Il mio intento è sempre stato quello di poter raggiungere una personale ed originale forma di espressione artistica. In passato mi sono orientato verso un espressionismo astratto che, considerato interessante e promettente dalla critica, è stato solo la prima tappa della mia crescita artistica.

Ecco il mio percorso artistico di questi ultimi tempi: …
mettendo alle spalle le mie prime realizzazioni, credo di aver finalmente raggiunto con gli “Strappi” di colore una visione personale ed originale. Lo strappo ottenuto mediante la lacerazione improvvisa del tessuto cromatico, scompagina piani, forme e volumi, liberando lampi di luce.

Nell’ osservatore si determina uno spaesamento quasi allucinatorio con la visione fiabesca di paesaggi o di agglomerati urbani. È la visione onirico-fantastica che si trova di fronte alle nuvole mosse dal vento o alle macchie di umido su una parete intonacata. Le forme sono mutevoli non solo per modifiche ambientali, ma anche per la diversa sensibilità dell’ osservatore con il risultato di una vasta gamma di interpretazioni. Da queste premesse nasce la mia ultima esperienza artistica. Gli Strappi di colore forma luce e memoria.

Ho messo quindi in dialogo delle foto-documento della vita sociale odierna con il tessuto cromatico nato dagli strappi. Il legame non è casuale bensì scelto per affinità culturale e concettuale.
Ma il legame piu’ saldo è sicuramente quello cromatico. È questo il tentativo di dar corpo, e maggiore comunicabilità, all’emozione di una visionaria apparizione di eventi, paesaggi e agglomerati urbani.

(biografia tratta dal sito dell’artista )

(biografia tratta dal sito artmajeur.com )

Lo studio approfondito degli antichi maestri e la frequentazione di alcuni tra i maggiori artisti viventi consente a Gaspare di aggredire con grande sicurezza la tela in modo graffiante, con economia di materia, creando un mondo proprio di grande profondità e luce. Con rivisitazioni dal classico al moderno, un netto rifiuto del decorativo astratto, del ripetitivo ossessivo, dello scioccante gratuito ma effimero, Gaspare accompagna l’osservatore in un viaggio che mira all’essenziale.

La Gaspare Foundation è in procinto di catalogare la sua ricca produzione artistica, costituita da oltre 4000 opere su carta, tela ed altri supporti. Le sue opere si trovano in collezioni private ed istituzionali in Europa, Asia ed America.

L’artista vive ed opera tra Londra e Venezia.

(biografia tratta dal sito ufficiale dell’artista )

• Del 1968 la famiglia si trasferì a Mosca / la famiglia si trasferisce a Mosca
• 1976 Laureato presso l’Università di Tecnologia Elettronica (informatica), Mosca / diploma di Tecnico di Informatica dell’Università di Mosca, Mosca
• 1983 Diplomato presso l’Accademia di poligrafica, Facoltà di grafica, Mosca / laurea dal Poligrafico di Mosca dell’Accademia di Design, Mosca
• dall’inizio del 1983 le attività di mostra / esposizione a Mosca e all’estero
• dal 1990 vive e lavora a Colonia e Mosca / con sede a Colonia e di Mosca

(biografia tratta dal sito ufficiale dell’artista )

Nel 1940 si iscrive all’Università dell’Ohio e, allo stesso tempo, frequenta anche l’Art Students League di New York, dove segue i corsi di Reginald Marsh. Dipinge quadri di ispirazione cubista.
Nel 1943 parte militare e viene mandato in Europa. Tornato negli Stati Uniti nel 1946, riprende gli studi universitari e frequenta i corsi di pittura di Hoyt Sherman. Dopo la laurea, si iscrive alla Scuola di specializzazione in Belle Arti, che porta a termine nel 1949.
Nel 1951 tiene la sua prima mostra personale alla Carlebach Gallery di New York. Espone dipinti e assemblaggi di oggetti trovati e materiali vari. Nella mostra successiva, organizzata nello stesso anno dalla John Heller Gallery di New York, presenta lavori ispirati al tema della frontiera americana. Nel 1956 realizza la litografia Ten Dollar Bill, che sembra anticipare alcune tematiche della Pop Art.
Alterna l’attività espositiva con altri lavori. Realizza disegni tecnici per l’azienda Republic Steel, fa il designer e il vetrinista. Nel 1957 diventa assistente all’Università di Stato di New York. La sua pittura si avvicina all’Espressionismo Astratto. Compaiono nei suoi dipinti i primi personaggi dei cartoni animati: Topolino, Paperino e Bugs Bunny.
Dal 1960 al 1963 insegna al Douglass College, nel New Jersey. Conosce Allan Kaprow, Claes Oldenburg, George Segal. Frequenta anche gli artisti di Fluxus, tra cui George Maciunas e Dick Higgins. Inserisce nei suoi lavori elementi tipici del mondo pubblicitario e dei fumetti, utilizza il puntinato Benday e si avvicina a tematiche pop. A partire dal 1961, Leo Castelli diventa il suo gallerista di riferimento. Mostra grande interesse per le avanguardie storiche e realizza i primi quadri ispirati all’arte “alta”. Nel 1962 espone alla collettiva New Paintings of Common Objects organizzata dal Pasadena Art Museum.
Nel 1963, Philip Johnson gli commissiona un murale destinato al New York State Pavillon per l’Esposizione Universale del 1964. Lo stesso anno espone da Ileana Sonnabend a Parigi e da Leo Castelli a New York. Crea le prime sculture in metallo smaltato. Nel 1965 realizza numerosi lavori in ceramica e si dedica ai dipinti della serie intitolata Brushstroke, dove ripropone, in modo personalissimo, la matericità e l’irruenza gestuale dell’Espressionismo Astratto.
Nel 1966 tiene una retrospettiva al Museum of Modern Art di Cleveland e partecipa alla Biennale di Venezia, dove è presente anche nel 1968 e nel 1970. La retrospettiva organizzata dal Pasadena Art Museum nel 1967 si sposta anche ad Amsterdam, Londra, Berna e Hannover.
Partecipa alle Documenta di Kassel del 1968 e del 1972. Nel 1969 il Solomon R. Guggenheim Museum di New York gli dedica una retrospettiva. Comincia a interessarsi al cinema sperimentale e realizza tre film sui panorami marini. Crea i primi dipinti di specchi e lavori sulle piramidi.
Nel 1970 realizza un murale per la Facoltà di medicina dell’Università di Düsseldorf, espone al Museum of Contemporary Art di Chicago e al Seattle Art Museum. Si trasferisce successivamente a Southampton.
Dal 1972 al 1981 lavora a numerose “nature morte” e realizza opere ispirate al Futurismo, a De Stijl, al Costruttivismo russo, al Surrealismo e all’Espressionismo tedesco. Numerose sono anche le mostre. Nel 1972 espone al Contemporary Art Museum di Houston, nel 1975 al Centre National d’Art Contemporain di Parigi, nel 1978 all’Institute of Contemporary Art di Boston. Nel 1979 gli viene commissionata la prima scultura pubblica: realizza The Mermaid per il Theatre for the Performing Arts di Miami Beach. Nel 1981 il Saint Louis Art Museum organizza una retrospettiva che si sposta in altre località americane, in Europa e in Giappone.
Morì il 29 settembre del 1997 a New York.

(biografia tratta da wikipedia )

Figlio di un orefice e orologiaio, Joan Miró cominciò a disegnare dall’età di 8 anni. Su consiglio del padre, Miró intraprese studi commerciali ma in parallelo frequentò lezioni private di disegno; dal 1910 al 1911 lavorò come contabile in una drogheria, finché un esaurimento nervoso non lo convinse a dedicarsi all’arte a tempo pieno. Fu il lungo periodo di convalescenza passato nella casa di famiglia a Mont-roig del Camp a consolidare definitivamente la sua vocazione; lo stesso Miró riconobbe in seguito in Montroig e Maiorca i due poli della sua ispirazione.
Tornato a Barcellona nel 1912, frequentò l’Accademia Galí fino al 1915, dopodiché passò al Circolo Artistico di Sant Lluc. Nel 1916 Mirò affittò uno studio ed entrò in contatto con personalità nel mondo dell’arte. Furono questi gli anni in cui Miró scoprì il fauvismo e in cui tenne la sua prima esposizione personale alle Galeries Dalmau (1918).

Il periodo parigino

Attirato dalla comunità artistica che si riuniva a Montparnasse, nel 1920 si stabilì a Parigi, dove conobbe Picasso e il circolo dadaista di Tristan Tzara. Già in questo periodo, in cui disegnava nell’accademia La Grande Chaumière, cominciò a delinearsi il suo stile decisamente originale, influenzato inizialmente dai dadaisti ma in seguito portato verso l’astrazione per l’influsso di poeti e scrittori surrealisti.
Nel 1926 collaborò con Max Ernst per la scenografia di Romeo e Giulietta e realizzò il celebre Nudo. L’anno successivo, dopo la morte del padre, Miró si trasferì alla Cité des Fusains ed ebbe come vicini, oltre ad Ernst, anche Jean Arp e Pierre Bonnard. Sempre a Parigi, nel 1928, la sua esposizione nella galleria Georges Bernheim lo rese famoso.

Il 12 ottobre 1929 Miró sposò Pilar Juncosa a Palma di Maiorca; la coppia ebbe una unica figlia di nome María Dolores (nata il 17 luglio 1931 e morta nel dicembre 2004).
Iniziò in questi anni la sperimentazione artistica di Miró, che si cimentò con le litografie, l’acquaforte e la scultura, nonché con la pittura su carta catramata e vetro.
Con lo scoppio della guerra civile spagnola (1936) tornò a Parigi, dove si dedicò a raccogliere fondi a favore della causa repubblicana, ma fece ritorno in Spagna al momento dell’invasione nazista della Francia. Da questo momento visse stabilmente a Maiorca o a Montroig.
Miró fu uno dei più radicali teorici del surrealismo, al punto che André Breton, fondatore di questa corrente artistica, lo descrisse come “il più surrealista di noi tutti”. Tornato nella casa di famiglia, Miró sviluppò uno stile surrealista sempre più marcato; in numerosi scritti e interviste espresse il suo disprezzo per la pittura convenzionale e il desiderio di “ucciderla”, “assassinarla” o “stuprarla” [1] per giungere a nuovi mezzi di espressione. La prima monografia su Miró fu pubblicata da Shuzo Takiguchi nel 1940.
Dopo la morte della madre, avvenuta nel 1944, Miró iniziò a dedicarsi a lavori sfuni di ceramica e a sculture di bronzo.

Gli anni della celebrità

Nel 1954 Miró vinse il premio per la grafica alla Biennale di Venezia e nel 1958 il Premio Internazionale Guggenheim. In questi anni fece molti viaggi ed esposizioni negli Stati Uniti.
Fin dal 1956 si stabilì definitivamente a Palma di Maiorca in una casa progettata e costruita dal cognato, cui aggregò in seguito un laboratorio e uno studio di pittura grazie all’aiuto dell’amico Josep Lluís Sert. Al fine di preservare la proprietà così delineatasi, per lui luogo creativo per eccellenza, Miró ne donò parte alla cittadinanza, che nel 1981 vi allestì la Fundació Pilar e Joan Miró.
Già nel 1972, d’altronde, Miró aveva creato la Fundació Joan Miró a Barcellona.
Nel 1978 si dedicò alla scenografia per uno spettacolo teatrale, nonché alla scultura monumentale. Risale a questo periodo la sua celebre scultura Dona i ocell (Donna e uccello), che si trova nel parco Joan Miró a Barcellona.

Gli ultimi anni

Per i riconoscimenti in patria Miró dovette attendere gli anni della vecchiaia e la caduta del franchismo: nel 1978 ricevette la Medalla d’Or de la Generalitat de Catalunya; nel 1979 l’Università di Barcellona gli conferì la laurea honoris causa (l’Università di Harvard aveva già provveduto nel 1968); nel 1980 ricevette la medaglia d’oro delle Belle Arti dal re di Spagna Juan Carlos; nel 1981 fu premiato con la medaglia d’oro di Barcellona.
In età avanzata Miró accelerò il suo lavoro, creando ad esempio centinaia di ceramiche, tra cui il Muro della Luna e il Muro del Sole presso l’edificio dell’UNESCO a Parigi. Si dedicò pure a pitture su vetro per esposizione.
Negli ultimi anni di vita Miró concepì le sue idee più radicali, interessandosi della scultura gassosa e della pittura quadridimensionale.
Joan Miró morì a Maiorca all’età di 90 anni e venne sepolto a Barcellona, nel cimitero di Montjuïc.

(biografia tratta da wikipedia )

Dopo la sua liberazione, avvenuta nel 1945, Mušič fece ritorno a Lubiana dopo a Gorizia e Venezia, dove vinse il primo premio alla Biennale del 1950. Nel 1951 gli fu assegnato, insieme al pittore italiano Antonio Corpora, il Prix Paris, organizzato a Cortina d’Ampezzo dal Centro culturale italiano di Parigi su consiglio di Campigli e Severini.
Una nuova fase della sua pittura si evolse attorno alla rappresentazione dei paesaggi dalmati della sua gioventu. Successivamente, si concentrò soprattutto sull’ambiente circostante, ossia i paesaggi italiani. Fu stilisticamente influenzato dai mosaici e dalle icone bizantine a Venezia.
Negli anni cinquanta trascorse un certo periodo a lavorare a Parigi, studiando l’”astrazione lirica” francese, per fare poi ritorno al suo atelier veneziano. Nel 1956 e nel 1960 partecipò nuovamente alla Biennale. Dopo aver ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro grafico, a partire dagli anni sessanta i motivi organici di Mušič divennero sempre più astratti e le sue composizioni abbandonarono i canoni della tridimensionalità.
Una nuova serie di opere, databili tra il 1970 e il 1976, intitolata Noi non siamo gli ultimi (in francese: Nous ne sommes pas les derniers), nelle quali l’artista trasformò il terrore e l’inferno della prigionia nel campo di concentramento di Dachau in documenti di una tragedia universale, ebbe enorme successo e fu certamente la più acclamata dalla critica.
La produzione di Zoran Music è stata onorata in numerosissime esposizioni internazionali, e a tutt’oggi le sue apprezzatissime opere sono conservate nei più importanti musei del mondo, principalmente in Italia, Slovenia, Francia, Germania e Stati Uniti.
Music è conosciuto anche con il soprannome de “il pittore dei cavallini”, per via di un suo ricorrente soggetto, appunto i cavalli.

(biografia tratta da wikipedia )

Il 3 giugno 1968, un’artista frequentatrice della Factory, Valerie Solanas, sparò ad Andy Warhol e al suo compagno di allora Mario Amaya. Entrambi sopravvissero all’accaduto, anche se Andy Warhol in particolare riportò gravi ferite e si salvò in extremis. Valerie Solanas dichiarò di aver sparato perché Warhol aveva troppo controllo sulla sua vita[1]: successivamente scrisse anche una sceneggiatura dell’accaduto proponendola addirittura allo stesso Warhol, che rifiutò categoricamente. Le apparizioni pubbliche di Warhol dopo questa vicenda diminuirono drasticamente. La vicenda passò in second’ordine in quanto 2 giorni dopo fu assassinato Bob Kennedy.

Morì a New York il 22 febbraio 1987, alle 5:45 del mattino, in seguito a un intervento chirurgico alla cistifellea, dopo aver realizzato Last Supper, ispirato all’Ultima cena di Leonardo, che fu esposto a Milano. I funerali si svolsero a Pittsburgh, sua città natale, e a New York venne celebrata una messa commemorativa.

Nella primavera del 1988, 10.000 oggetti di sua proprietà vengono venduti all’asta da Sotheby’s per finanziare la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Nel 1989 il Museum of Modern Art di New York gli dedica una grandiosa retrospettiva.

Pittura

La sua attività artistica conta tantissime opere, che produceva in serie con l’ausilio dell’impianto serigrafico. Le sue opere più famose sono diventate delle icone: Marilyn Monroe, Mao Zedong, Che Guevara e tante altre. La ripetizione era il suo metodo di successo: su grosse tele riproduceva moltissime volte la stessa immagine alterandone i colori (prevalentemente vivaci e forti). Prendendo immagini pubblicitarie di grandi marchi commerciali (famose le sue bottiglie di Coca Cola) o immagini d’impatto come incidenti stradali o sedie elettriche, riusciva a svuotare di ogni significato le immagini che rappresentava proprio con la ripetizione dell’immagine stessa su vasta scala.

La sua arte, che portava gli scaffali di un supermercato all’interno di un museo o di una mostra d’arte, era una provocazione nemmeno troppo velata: secondo uno dei più grandi esponenti della Pop Art l’arte doveva essere “consumata” come un qualsiasi altro prodotto commerciale.

Ha spesso ribadito che i prodotti di massa rappresentano la democrazia sociale e come tali devono essere riconosciuti: anche il più povero può bere la stessa Coca Cola che beve Jimmy Carter o Liz Taylor. Fra i suoi assistenti, che successivamente divennero essi stessi famosi, figurò Ronnie Cutrone.

Successivamente rivisitò anche le grandi opere del passato, come L’ultima cena di Leonardo da Vinci o capolavori di Paolo Uccello e Piero della Francesca: anche in questo caso cercò di rendere omaggio a delle opere d’arte al posto dei mass media che in alcuni casi cercarono di screditarlo, tuttavia la pop art fu una delle icone principali che accompagnarono il boom economico.

Scultura

I famosi barattoli di zuppa Campbell’s spesso rappresentati da Warhol

Andy Warhol ha anche creato alcune sculture che riproponevano in più dimensioni alcuni suoi lavori serigrafici più famosi, come ad esempio scatole di detersivo Brillo ed altri prodotti in scatola.

Altre forme d’arte

Warhol ha sostenuto e sperimentato altre forme di comunicazione, come ad esempio il cinema e la musica: ha prodotto alcuni lungometraggi e film, ha sostenuto alcuni gruppi musicali – in primis i Velvet Underground con Lou Reed, la cui famosissima copertina dell’album d’esordio è stata disegnata dallo stesso Andy Warhol, e numerosi artisti anche stranieri tra cui la cantante italiana Loredana Bertè, ha scritto libri e biografie. Il pensiero “commerciale” di Andy Warhol spaziava in ogni campo. Blow Job (telecamera fissa per 35 minuti sul volto di un uomo che riceve una fellatio) e Lonesome Cowboys sono alcuni esempi di film che ritraggono la cultura (gay) newyorkese del tempo, censurati e distribuiti solo con il passaparola.

Altri lavori, certamente d’avanguardia, mostrano ad esempio un uomo che dorme per cinque ore e venti (Sleep – 1963): in soli cinque anni, cortometraggi e lungometraggi di sperimentazione artistica attraverso la telecamera. Alcuni di questi film furono trasmessi al pubblico dopo trent’anni dalla data di pubblicazione dei lungometraggi, soprattutto in occasione di mostre ed antologie del pittore organizzate in molti musei del mondo.

È stato anche fondatore della Factory, luogo in cui giovani artisti newyorkesi potevano trovare uno spazio collettivo per creare: qui sono nati o passati per un breve periodo altri famosi artisti come Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, Keith Haring.

Pubblicità

Il 23 luglio 1985 fa da testimonial al lancio del nuovo computer della Commodore: l’Amiga 1000. Sempre negli anni ottanta è testimonial della rivista Vogue America.

Cinema

L’interesse di Warhol per il cinema si manifesta a partire dal 1963, quando l’artista, dopo aver frequentato la cinémathèque di Jonas Mekas, decide di comperarsi una cinepresa Bolex 16mm. I film di Warhol di questo primo periodo si possono definire minimali: Sleep, Kiss, Eat, Empire, tutti del 1963-1964, mostrano azioni ripetute dilatate nel tempo, riprese con una camera fissa. A Warhol interessa la “composizione dell’immagine” che si viene a creare partendo da un unico punto di vista. “Questi primi film sono come quadri” che, invece di essere appesi, sono proiettati su una parete bianca.

I film sperimentali senza sonoro sono girati in 16mm alla velocità di 24 fotogrammi per secondo e proiettati alla velocità di 16 fotogrammi al secondo; questa caratteristica rallenta e amplifica l’immagine del film, che viene percepito in un tempo lunghissimo. Luogo fondamentale sia per la sperimentazione che per l’ispirazione nel mondo del cinema di Warhol è la Silver Factory, l’ampio locale ubicato al quarto piano di un ex fabbrica di cappelli sulla 47º strada, è stato il più noto studio laboratorio di Warhol, teatro di molti progetti artistici tra il 1963 e il 1968. Circondato da persone cui chiede suggerimenti ed idee, Warhol lavora alla Factory con ritmi di “catena di montaggio”. La Factory è una open house, un luogo aperto in cui tutti possono partecipare, anzi, sono invitati a farlo, perché “è dalle idee e dalla personalità di ognuno che Warhol trae il materiale per la sua arte”.[senza fonte]

Nello studio gravitava un mondo di originali intorno ad una figura che si faceva chiamare “capo”, ma che era orgoglioso di non dare mai l’impressione di avere la minima individualità, di non essere mai altro che lo specchio del suo entourage, la copia di ciò che i suoi cortigiani volevano che fosse. La Factory diventa così uno “spazio ideologico” dove molte nozioni sulla pop art si trasformano in stile di vita. Il gruppo forma un nucleo che stabilisce un linguaggio comune, uno stile comune che basa i propri principi sull’accettazione di qualsiasi comportamento, senza pretendere di giudicarlo.

Screen Test

Un posto importante nella produzione cinematografica di Warhol riguarda i cinquecento rulli di Screen Test, film ritratti di personaggi in vista alla Factory che vengono ripresi con camera fissa per tre minuti su un fondo nero. Warhol chiede ad ogni partecipante del provino (screen-test) di fissare la camera, di non muoversi durante la ripresa e di non sbattere le ciglia, restando con lo sguardo fisso.

« Trovo il montaggio troppo stancante […] lascio che la camera funzioni fino a che la pellicola finisce, così posso guardare le persone per come sono veramente. »

(Andy Warhol)

L’idea è quella di fissare in un ritratto un personaggio che compie un’azione banale, ma che per Warhol ha un importante significato. L’obbiettivo non è solo quello di entrare nell’intimità del personaggio ripreso ma anche quello di colpire lo stesso spettatore e farlo riflettere.

(biografia tratta dal wikipedia )

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Laureato in Scienze Politiche presso l’Università di Padova, inizia l’attività di fotografo nel 1989, realizzando alla metà degli anni ’90 un importante ciclo di lavori legati alle permanenze a Cuba e in Nepal. Dalla fine degli anni ’90 amplia la propria ricerca linguistica – sovente supportata da riflessioni di carattere politico-sociale – su diversi fronti, dalla scultura all’installazione, dal video alla fotografia, alla performance. 

Nel 1996, in collaborazione con C. Bianchin, partecipa alla collettiva Carnet presso la Fondazione Bevilacqua La Massa di Venezia e nel 2000 ha la sua prima personale, Dinamiche, a cura di A. Pagnes alla Galleria Rossella Junk di Venezia, dove presenta il nucleo iniziale della sua produzione plastica (Blade, Enlightements). Nel 2002 realizza l’installazione ambientalePercer-Voir presso i Chiostri di San Pietro a Reggio Emilia e partecipa al progetto Gemine Muse, a cura di V. Baradel, al Museo Mocenigo di Venezia con l’ audiovideo-installazione Le nostre idee vinceranno.

L’anno seguente è artist in residence della Claudio Alcorso Foundation presso la Tasmanian School of Art di Hobart in Australia dove idea l’opera multimediale Eidetic Bush - scaturita dalla visione dei boschi incendiati della Tasmania, che presenta alla Plimsoll Gallery di Hobart nello stesso anno. Nel 2004 con l’installazione luminosa Pulse Red, il Globo d’Oro della Punta della Dogana viene fatto pulsare di luce rossa per diverse notti, trasformando lo storico punto di convoglio delle informazioni in simbolo del bombardamento informativo massmediale.

Nel 2005 alla collettiva Hollywood alla Galleria Contemporaneo di Mestre presenta The main show, dove affronta il tema della spettacolarizzazione della religione cattolica in una sequenza di fotogrammi della Pietà canoviana in cui il Cristo morto è ripreso da diverse angolazioni con effetti cinetici. Sulla reinterpretazione formale dei gessi di Canova e dei punti di rèpere per la traduzione nel marmo, si impernia il progetto Emerging Code (2006), in cui scultura e fotografia interagiscono in un processo di astrazione della callimetria canoviana. Il lavoro viene presentato in due personali, alla Despard Gallery di Hobart e presso la Galleria Rossella Junk di Berlino nel 2006.

Nello stesso anno partecipa alla collettiva Dis-orders, a cura di M. Baravalle alla Fondazione Bevilacqua La Masa e alla mostra Open Space (a cura di L. Facco, A. Zanchetta) al Centro Culturale Candiani di Mestre. Nel 2007 presenta l’installazione Laudes Regiae nell’ex convento dei Santi Cosma e Damiano alla Giudecca e nel 2008 partecipa alla rassegnaNotturni Dannunziani ai Giardini del Vittoriale con la videoperformance Sri Yantra, in cui l’artista è ripreso mentre inspira ed espira secondo il ritmo di un mantra tibetano dalla polifonia disarticolata.

Tra i video legati alle questioni sociali e politiche più urgenti: Sabato italiano, (2004), Talk Show (2005) e la video-audio proiezione Verso il Paese dei Fumi e delle Urla (per le celebrazioni del Giorno della Memoria a Venezia nel 2008). Nel 2008 ha avuto una personale al Centro Culturale Candiani dedicata al lavoro fotografico svolto a Cuba nel ’95 (Cuba, un popolo una nazione).

Nel 2009 partecipa alla collettiva Krossing, evento collaterale della 53^ Biennale di Venezia, con il trittico fotograficoImprovviso terrore mi sospende il fiato e allarga nella notte gli occhi. Forte Marghera, Venezia.

Nel 2011 durante la 54^ Biennale di Venezia allestisce nella Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro a Venezia la personale Back in Black. In mostra una selezione di opere particolarmente rappresentative del percorso artistico di Andrea Morucchio il cui legame formale più evidente è il colore nero.

Sue opere sono conservate presso il Museo del Vetro di Murano e il Museum of Old and New Art di Hobart, Australia.

E’ curatore di esposizioni e progetti artistici, tra cui PetroLogiche (2004), legato alla questione del Petrolchimico di Marghera,Mars Pavilion (2005) alla Serra dei Giardini di Castello e la collettiva Hollywood alla Galleria Contemporaneo (2005). 

(biografia tratta dal sito dell’artista )

• Roy Lichtenstein
• Emanuela Volpe
• Joan Miró
• Ed altri

TITOLI DI STUDIO

Maturità artistica conseguita nel 1976 presso il liceo artistico Orsoline di S.Carlo.
Diploma di Accademia di belle arti del corso di Pittura conseguito nel 1980 presso l’Accademia di belle arti di Brera.
Specializzazione in progettazione packaging conseguita nel 2000 presso l’istituto Bauer.
Abilitazione all’insegnamento di educazione artistica nelle scuole medie di primo grado conseguita nel 1984.
Abilitazione all’insegnamento di discipline pittoriche nei licei artistici conseguita nel 1986.
Abilitazione all’insegnamento di disegno e storia dell’arte negli istituti superiori conseguita nel 1990.

Ha studiato con : Luigi Lomanto, Dino Lanaro, Domenico Purificato, Pietro Diana, Angela Colombo, Luigi Veronesi, Raffaele De Grada, Roberto Sanesi, Beppe Devalle.

Oggi in servizio di ruolo come docente di discipline pittoriche presso il liceo artistico Boccioni di Milano.